Le sue opere non sono semplici sculture: sono confessioni silenziose, frammenti di vita modellati nella materia, dove ogni curva, cicatrice e imperfezione diventa simbolo di identità e rinascita.
Artista autodidatta, intensa e profondamente contemporanea, Isabella ha costruito negli anni un linguaggio personale capace di fondere scultura, moda, performance e introspezione emotiva. Le sue creazioni bustier-scultura indossabili e opere nate dai corpi reali si muovono tra arte e anima, trasformando il corpo femminile da oggetto osservato a soggetto libero, potente e consapevole.
Il suo talento risiede nella rara capacità di ascoltare l’essere umano e tradurre emozioni invisibili in forme vive, autentiche, quasi sacre. Ogni opera custodisce una storia personale: fragilità, ferite, desideri e rinascite diventano materia artistica e si trasformano in un manifesto di libertà.
Dai viaggi in Brasile, Africa, Australia e Americhe, fino alle passerelle della Milano Art Fashion Week, Isabella Marinelli ha sviluppato una ricerca artistica che supera i confini tradizionali dell’arte contemporanea. Le sue performance immersive e le sue “sculture con l’anima” invitano il pubblico non solo a osservare, ma a sentirsi parte dell’opera stessa.
Nel suo universo creativo convivono forza e vulnerabilità, estetica e verità, eleganza e rivoluzione culturale. Perché per Isabella l’arte non deve soltanto essere vista: deve lasciare un segno.
Le tue opere nascono dal corpo reale e dalle emozioni più intime: quando hai capito che il corpo sarebbe diventato il centro assoluto della tua ricerca artistica?
Ho capito molto presto che il corpo sarebbe diventato il centro della mia ricerca artistica, perché per me il corpo non è solo estetica: e’ storia, è memoria, emozioni e anima.
Ogni segno racconta qualcosa. A un certo punto ho sentito il bisogno di creare opere che partissero dalla pelle reale, dalle emozioni vissute, dalle fragilità che spesso cerchiamo di nascondere. È lì che ho trovato la mia voce artistica: nel trasformare il corpo in un linguaggio dell’anima.
Definisci le tue creazioni “sculture con l’anima”. Qual è il processo emotivo che vivi quando trasformi una storia personale in materia?
Quando creo una “scultura con l’anima” entro in uno spazio molto intimo. Ascolto profondamente la storia della persona, le sue ferite, le sue rinascite, le sue emozioni più autentiche.
Poi tutto questo prende forma nella materia. Non realizzo semplicemente un bustier o una scultura: cerco di custodire un vissuto e trasformarlo in qualcosa che possa essere esposto o indossato con orgoglio e libertà.
È un processo molto emotivo anche per me, perché ogni opera lascia un segno reciproco.
Nei tuoi bustier-scultura convivono forza, vulnerabilità e libertà. Che messaggio vuoi trasmettere alle donne che li indossano?
Vorrei che ogni donna, indossando una mia creazione, si sentisse libera di essere completamente sé stessa, senza dover nascondere imperfezioni, fragilità o cicatrici. Nei miei bustier convivono forza e vulnerabilità perché credo che siano proprio queste due dimensioni a renderci autentici.
Il mio messaggio è che la vera bellezza nasce dalla consapevolezza di ciò che siamo, non dalla perfezione imposta dagli altri.
Il tuo lavoro si oppone all’oggettificazione del corpo femminile. Quanto pensi che oggi l’arte possa ancora essere uno strumento di rivoluzione culturale?
Credo profondamente che l’arte possa ancora essere uno strumento di rivoluzione culturale. L’arte ha il potere di cambiare lo sguardo delle persone, di creare domande, di rompere schemi.
Attraverso il mio lavoro voglio restituire dignità al corpo femminile, togliendolo dalla logica dell’oggetto per riportarlo a essere identità, esperienza, anima.
Quando una persona si emoziona davanti a un’opera o ne trae spunti di riflessione è già un piccolo traguardo.
Hai viaggiato in tutto il mondo, dal Brasile all’Africa, dall’Australia alle Americhe. Quale incontro o esperienza ha lasciato il segno più profondo nel tuo modo di creare?
Ogni viaggio mi ha lasciato qualcosa di profondo, ma le esperienze umanitarie in Africa e in Brasile hanno cambiato il mio modo di sentire la vita.
Entrare in contatto con persone che avevano vissuto dolore, esclusione o difficoltà mi ha insegnato quanto sia importante creare bellezza che abbia anche un valore umano.
Ho imparato che l’arte in tutte le sue forme, può diventare ascolto, presenza, guarigione emotiva.
Le cicatrici, le imperfezioni e le fragilità diventano bellezza nelle tue opere. Pensi che la società abbia finalmente iniziato ad accettare l’autenticità dei corpi?
Penso che oggi si stia iniziando lentamente ad accettare di più l’autenticità dei corpi, ma c’è ancora molta strada da fare.
Viviamo in una società che ci chiede di apparire perfetti, filtrati, conformi. Io invece voglio celebrare ciò che ci rende unici.
Le cicatrici raccontano che abbiamo vissuto, le fragilità raccontano che siamo umani. Per me la vera bellezza nasce proprio lì: nella verità di un corpo che non ha paura di esistere.
La performance e l’interazione con il pubblico sono parte integrante della tua ricerca. Che emozione provi quando le persone diventano parte viva dell’opera?
Quando il pubblico diventa parte viva dell’opera provo un’emozione fortissima, perché in quel momento l’arte smette di essere qualcosa da osservare a distanza e diventa esperienza condivisa.
Mi emoziona vedere persone che si riconoscono nelle opere, che si commuovono, che trovano il coraggio di raccontarsi. È come se l’arte aprisse uno spazio di connessione autentica tra anime.
Le tue creazioni sembrano fondere arte, moda e identità personale. Dove finisce la scultura e dove inizia la persona che la indossa?
Per me non esiste un confine netto tra la scultura e la persona che la indossa. Nel momento in cui un bustier viene indossato, prende vita.
Diventa estensione dell’identità, della storia, dell’energia di chi lo porta. Le mie opere non vogliono coprire il corpo, ma dialogare con esso, amplificarne la verità e trasformarlo in un manifesto personale.
Hai esposto in contesti importanti come la Milano Art Fashion Week. Quanto è stato importante portare la tua arte fuori dagli spazi tradizionali per farla vivere in passerella?
Portare la mia arte in contesti come la Milano Art Fashion Week è stato interessante per scoprire un nuovo modo di interpretare l’arte.
La passerella permette alle opere di muoversi, respirare, emozionare in modo diverso. È un modo per abbattere le barriere tra arte, moda e performance e rendere il messaggio ancora più vivo e accessibile.
Libertà, anima e autenticità guidano il tuo percorso creativo. Qual è oggi la più grande sfida artistica e umana che senti di voler affrontare?
La sfida più grande oggi è continuare a creare restando autentica, in un mondo che spesso spinge verso l’omologazione e la superficialità.
Voglio continuare a dare voce alle emozioni vere, alla libertà e all’unicità delle persone.
Dal punto di vista umano, sento sempre più il desiderio di creare connessioni profonde attraverso l’arte, lasciando qualcosa che possa davvero toccare le anime.
Stai lavorando a progetti sempre più immersivi e internazionali: quali sono i tuoi prossimi obiettivi artistici e quali nuove forme di espressione desideri ancora esplorare nel futuro?
Sto lavorando a progetti sempre più immersivi, dove arte, corpo, performance ed emozione possano fondersi completamente. Mi piacerebbe portare le mie opere sempre di più a livello internazionale e creare esperienze in cui il pubblico non sia solo spettatore, ma parte integrante del processo artistico. Voglio continuare a esplorare nuove forme espressive che uniscano scultura, moda, teatro e installazione emotiva, mantenendo sempre al centro l’essere umano e la sua autenticità.
